Blog #7 – The New Advertising (Book)

For Ursula Lagger’s Class we needed to rent a book from another university and I rented this book: The new advertising branding, content, and consumer relationships in the date-driven social media era, volume 1 traditional adverting transformed.

And it surprisingly fits prefect to my topic. So, I probably have a better look at this book once I will start writing my master thesis.

The preface already grabbed my attention:
What is new about advertising today? New advertisement is consumer-centric. (Jones et al., 2016, sec. preface) social media made a platform where consumers can be their own publishers. The interactive feature meant that consumers could “talk back”. Today’s advertising consists of brands providing content that consumers want and often seek, be it in the form of entertainment, information, service, or rewards. And it is personal because data that is provided online by consumers can be used to send more relevant messages to individuals. Consumers behavior can be used to predict potential future behavior.

So, this book is split in two volumes:

  • Volume 1 traditional advertising transformed
  • Volume 2 New Media, New Uses, New Metrics

And these points of volume 1 could be useful for my research:
2. Consumer Information Overload: Shift to Consumer-Centric Advertising Model
3. Building relationships with Empowered Consumers
5. Customer Relationship Management Strategy: More Important Now Than Ever Before
8. Electronic Word-to-mouth and User-Generated Content: Past, Present and Future
9. Native Advertising: Engagement, Deception and Implications for Theory
10. Streaming Video: Anytime, Anywhere
13. Branding: Changing the “how” and “where” in reaching Today’s Consumers
14. Content Strategy in a Paid/ Owned/ Earned Media World

Impulse 5 – The Boy and the Heron

Given my somewhat recent breakthrough of deciding on the anime style / genre for my master’s thesis’ practical project, I thought my recent trip to the cinema constituted well as an impulse. Being a huge fan of Hayao Miyazaki’s work I had to see it anyway.

Storytelling

Of course, this is not supposed to be a review of the movie, but I do want to share some thoughts and criticism about the movie as a work of art before diving into possibly relevant technicalities. The story kicks off quickly, establishing the main characters and their motivations right from the start. The world becomes quite crazy equally quickly and has our main character Mahito enter a quirky, weird and fantastical world, a staple for Miyazaki’s films. Here, Mahito immediately adapts to the new dimension / world immediately and does not question a single odd thing that happens from that point forward. This was the moment where the film lost me as a viewer, disconnecting me from its characters and world completely.

I’m making this point because I love mystery and strange worlds in storytelling and want to incorporate it into my piece as well and want to avoid losing my audience at all costs. In ‘Spirited Away’ (2001), another classic by Miyazaki, the main Character also gets transported into a strange and eerie world, but is constantly questioning what is happening around her since it’s obviously out of the ordinary and never stops wanting to leave the place by any means possible. I think this is a big reason why I found that movie more engaging.

Production

Moving on from my creative criticism on the storytelling, I also noticed myself taking mental notes on the film’s production. After all, seeing the movie on January 3rd (which, according to google was a day before its release in Austria?) this was as state-of-the-art as an anime movie gets.

One of the first sequences features very complex fire animations with lots of smears and distortions are further drowned in blurs and other 2D effects, which is a first for Miyazaki as far as I know and good news for me, allowing me to go a little crazier on post processing to hide some potentially rough edges.

Next, the Movie featured a lot of 3D mapping, using hand-painted textures on 3D geometry. Since their its first appearance in ‘Howl’s Moving Castle’ (2005), this has become a staple technique for Miyazaki. In that movie, the textures were also used alongside normal and displacement maps, making for exceptionally detailed geometry. In ‘The Boy and the Heron’, the textures were mostly flat and were mainly used during indoor sequences, keeping geometry extremely simply. This could be another plus for me if I wanted to emulate that style since I would not have to leave After Effects for simple 3D mapping. Staying on the topic of 3D, the film also used 3D animated grass for some shots, which I personally did not care for very much, but it’s good to know.

Let’s talk about the animation itself, which I seldom mention in my research posts. I think part of the reason is because that’s the part I have the biggest concerns about. I feel like a the technology isn’t quite there for moving AI generated images, but I have yet to try out pika labs and with many other prompt-to-video and image-to-video AI around the corner I will see what works best. Anyway, my key takeaway from the movie is that keyframes are of vital importance. I know, big shocker, very advanced theory there. But I’m concerned that simple prompts won’t be good enough for animations that need to convey so much emotion and expressions. My theory here is that by generating the keyframes and having the AI do the in-betweens I will retain much more control over the overall flow and feel of the animation, as well as increase accuracy in what I want the result to be exactly. This still leaves the problem of consistent character design and getting the AI to produce the Keyframes the exact way I want them to be, but I’m sure I will find solutions to that as well.

Links

https://fm4.orf.at/stories/3036864/

https://www.inverse.com/entertainment/the-boy-the-heron-opening-scene-animators-interview

https://www.indiewire.com/features/animation/boy-and-the-heron-movie-animation-style-interview-1234938606/

Literatur #1 – Berg und Film

Als erste Quelle für meine Masterarbeit habe ich das Buch Berg und Film – Kultur und Ästhetik von Höhenlandschaften im deutschsprachigen Film der Gegenwart von Silke Martin gelesen. Hier ein paar Ausschnitte, die besonders spannend waren und vermutlich für meine Arbeit relevant sein werden.


Bergfilmforschung der Gegenwart

Beim Lesen des Buches wurde mir durch Martin bestätigt, was ich während meiner vorangegangenen Recherchen immer wieder selbst gespürt habe: Es gibt nicht viel Forschung und Aufarbeitung im Bereich des modernen Bergfilms.

Laut Martin gäbe es zahlreiche und umfangreiche Arbeiten, die sich mit dem Bergfilm der 1920er und 1930er Jahren beschäftigen. Hier würden vor allem die Ideologien und nationalistischen Inhalte analysiert und aufgearbeitet werden.1 Ein Beispiel hierfür wäre der im Sammelband Revisited. Der Fall Dr. Fanck. Die Entdeckung der Natur im deutschen Bergfilm 1992 erschienene Artikel Hochgebirge und Moderne. Eine Standortbestimmung des Bergfilms von Eric Rentschler.2

Martin hebt zwar hervor, dass es einzelne, allerdings genreübergreifende, Darstellungen des modernen Bergfilms in wissenschaftlichen Arbeiten gäbe und einige ihn sogar als Mittelpunkt ihrer Arbeit haben. Es fehle aber immer noch an umfassenden Theorien.3

Für mich war das spannend zu lesen, weil es eine Art Zustimmung zu meinem Gefühl aus den Reihen der Wissenschaftler*innen war. Wie schon in anderen Blogposts beschrieben heißt das für mich, dass ich nicht für alle Unterthemen meiner Arbeit Ressourcen finden werde. Hier hat sich gezeigt, dass mein Plan, auch mit Expert*inneninterviews zu Arbeiten, sicherlich zielführender sein wird, als nach vielen Quellen zum modernen Bergfilm zu suchen.

Genregeschichte

Der zweite Punkt, den ich sehr spannend gefunden habe, war die Genregeschichte des Bergfilms.

Martin beschreibt, dass der erste Bergfilm zwar um 1900 entstanden sei, die großen und medientheoretisch am meisten angeführten Anfänge des Genres allerdings erst 20 Jahre danach beginnen. Arnold Fanck gilt hier als Vater des Bergfilms. Seine 13 großen Produktionen zwischen 1920 und 1940 machten ihn zum Pionier des Genres.

Zunächst war der Bergfilm ein rein deutschsprachiges Genre. Erst nach 1940 bzw. 1945 internationalisierte sich die Szene. Einhergehende mit den großen Erstbesteigungen und einem Aufschwung des Alpinismus entwickelte er sich zum Beispiel in Frankreich weg von der Dramatik des deutschen Bergfilms hin zur Dokumentation extremer alpinistischer Leistungen. Im deutschsprachigen Raum wurde hingegen nach Kriegsende der Bergfilm vorübergehend vom Heimatfilm abgelöst.

Ab 1960 entwickelte sich der Alpinismus zum Breitensport und eine neue Generation von Bergsportler*innen löste die in Fancks Filmen gezeigten Bergmenschen ab. Reinhold Messner zum Beispiel stand lange für diese neue Lebenseinstellung, die mehr mit Selbstverwirklichung und -befreiung zu tun hatte, als mit der davor populären Kampfmoral. Damit einhergehend wandelte sich auch der Bergfilm und es gab in den 70ern viele Fernseh- und Spielfilmproduktionen, in denen Berglandschaften eine signifikante Rolle spielten oder noch immer spielen. Einige dieser Serien seien bis heute in Produktion und immer noch aktuell.

In den 1990er Jahren gab es ein paar Ausreißer, die versuchten, Fancks einzigartige Bergfilmherangehensweise zu imitieren. So machte zum Beispiel Werner Herzog einen Film, in dem er zwei duellierende Bergsteiger bei einem Erstbegehungsrennen (Metapher für eine Frau) zeigt.

Auch in Hollywood gab es zu dieser Zeit ein paar Bergfilmversuche, wobei die meisten Berge nicht als zentrales Element, sondern nur als Kulisse für den Film verwendet werden. Hier widersprechen sich die diversen Genredefinitionen, ob diese Art von Film immer noch als Bergfilm bezeichnet werden kann.4

Genrediskussion

Martin greift in der Einleitung zu ihrer eigenen Arbeit kurz den Genrediskurs über den Bergfilm auf. Hier gäbe es viele verschiedene Definierungsversuche über die Grenzen des Genres Bergfilm. Eine davon sei von König aus dem Jahre 2001. Er schreibt über Bergfilm:

“Bergfilm ist alles. Der spannende Spielfilm, der das Bergsteigen und Klettern dramaturgisch einsetzt, genauso, wie der Film über das Leben der Menschen im Gebirge.”5

Martin ist der Meinung, dass diese breite Definition zu sehr geöffnet sei. Sie findet, dass genredefinierte Ansätze generell nicht für die Analyse der modernen Bergfilme geeignet seien. Vielmehr sollte man hin zu einer Art Filmvisite greifen. Diese würde die vermehrten und über mehrere Genres reichenden Darstellungen von Bergen im Film sinnvoller abbilden können.6

Im weiteren Verlauf ihres Buches erklärt sie, wie sie mit ihrer entwickelten Filmanalyse Bergfilme besser beschreiben kann, als jegliche Genredefinitionen. Sie analysiert auch mehrere Filme, bei denen sie ihre Visite verwendet.


Bis jetzt habe ich noch nicht das ganze Buch gelesen, ich bin allerdings schon gespannt, welche Erkenntnisse auf mich warten. Ich finde, Silke Martins Buch ist eines der besten Beispiele, wie moderner Bergfilm in wissenschaftlichen Arbeiten und Texten behandelt werden kann und ist erfrischend ehrlich und ohne viel Tamtam geschrieben.

Meine Literaturrecherche und das Lesen einiger Quellen ist noch bis 22.02. geplant, danach geht es ans Schreiben meiner Masterarbeit. Ich freue mich auf mehr und bin gespannt, was mich bis dahin noch erwartet.

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Quellen

  1. Martin, Silke. Berg und Film: Kultur und Ästhetik von Höhenlandschaft im deutschsprachigen Film der Gegenwart. Marburg: Schüren, 2017, S. 12. ↩︎
  2. Eric Rentschler. Hochgebirge und Moderne: Eine Standortbestimmung des Bergfilms. In Revisited: Der Fall Dr. Fanck. Die Entdeckung der Natur im deutschsprachigen Bergfilm, herausgegeben von Frank Amann, Ben Gabel und Jürgen Keiper. Basel: Stroemfeld / Roter Stern, 1992. ↩︎
  3. Martin, Silke. Berg und Film: Kultur und Ästhetik von Höhenlandschaft im deutschsprachigen Film der Gegenwart. Marburg: Schüren, 2017, S. 13. ↩︎
  4. Martin, Silke. Berg und Film: Kultur und Ästhetik von Höhenlandschaft im deutschsprachigen Film der Gegenwart. Marburg: Schüren, 2017, S. 31-36. ↩︎
  5. König, Stefan. Wegweiser: Eine kleine Exkursion durch das abenteuerliche Gelände in dem der Bergfilm spielt. In Bergfilm. Dramen, Trick und Abenteuer, herausgegeben von Stefan König, Hans-Jürgen Panitz und Michael Wachtler. München: Herbig, 2001, S. 13. ↩︎
  6. Martin, Silke. Berg und Film: Kultur und Ästhetik von Höhenlandschaft im deutschsprachigen Film der Gegenwart. Marburg: Schüren, 2017, S. 37-38. ↩︎

Werkstück Doku #3 – Skript, Drehplanung und letztes Meeting vor dem Dreh

Die Weihnachtsfeiertage standen bei mir ganz im Zeichen der Drehplanung und Vorbereitung für meinen Masterarbeitsdreh. Der Termin ist am 14. und 15. Jänner (ja, das ist diese Woche) und deshalb muss bis Mittwoch den 10. alles fix und fertig sein. Hier ein kleiner Auszug, was bis jetzt alles schon passiert ist.


Skript

Obwohl ich einen dokumentarischen Film machen werde, habe ich mich dazu entschlossen, ein Drehbuch zu schreiben. In meinem letzten Impuls habe ich mir dazu diverse Tutorials, Tipps und Tricks angeschaut und die dann auch gleich in die Tat umgesetzt. Das Resultat ist ein momentan noch fünfseitiges Skript, das ich heute beim letzten Meeting mit meinem Team und den Auftraggebenden durchgeschaut habe und im weiteren Verlauf fertig ausarbeiten werde.

In meinem Fall ist das Drehbuch ein Richtwert. Es werden zwar Beispieldialoge vorgeschlagen, diese sollen aber nur inhaltlich dafür stehen, was der Interviewte dann tatsächlich in eigenen Worten sagt. Vor allem aber die Struktur soll im Drehbuch hervorgehen werden und sich auch während den Drehs, wenn möglich, nicht mehr ändern. Dafür ist das Skript besonders praktisch, weil sich alle dann das Gleiche unter meiner Idee vorstellen können.

Hier sind ein paar Screenshots aus meinem Drehbuch:




Equipment

Nachdem der Dreh bald ist, habe ich auch schon eine Equipmentliste erstellt. Folgende Dinge werde ich für meinen Dreh ausborgen:

  • 2x Sony A7 4
  • 1x Sigma 35mm f1.4
  • 1x Sigma 24-70mm f2.8
  • 1x Sony 12-24mm f4
  • Ronin S Gimbal
  • 1x 28mm ND Filter (entweder 4:64 oder 2:32 bzw. 9F)
  • 2x kleine LED Aufstecklichter
  • 1x ATOMOS Ninja mit Mini HDMI
  • (wenn es gibt) 1x Cage für die Sony A7 4 (bzw. einen Rig mit mindestens 2 Steckplätzen für Mikrofon und Bildschirm)
  • 1x Rhode Ansteckmikros mit Katze
  • (wenn es gibt) 1x Richtmikrofon, das ich an die Sony anstecken kann (also ohne DSLR sondern mit Klinke glaub ich)
  • 1x Reflektor
  • 1x Sachtler Videostativ
  • DJI Mini 3 Pro

Was davon ich im Mediacenter der FH bekomme und was ich mir extern ausleihen muss, wird sich heute im Laufe des Tages zeigen.


Letztes Meeting vor dem Dreh

Gerade habe ich auch das letzte Meeting vorm Dreh mit der Crew, den Auftraggebenden und dem Protagonisten abgeschlossen. Wir haben folgende Dinge besprochen:

  • Förderung
  • Drehbuch
  • Locations
  • Zeitplan Drehs 14. und 15.
  • Wetter
  • Safety
  • Sponsoren

Meine weiteren Schritte werden jetzt sein, dass ich die zwei Drehtage ausplane (Shotlist, Zeitplan, etc.) und mich weiterhin um Sponsoren und Drehgenehmigungen kümmere. Dann heißt es “nur” noch, alles am Sonntag und Montag in die Tat umzusetzen und zu hoffen, dass das Wetter und die Lawinensituation uns in die Karten spielen.

IMPULS #8 – Scriptwriting

For my 8th and final impuls I have done some YouTube tutorial research on how to properly write a script. Even though we have roughly learned that at FH as well, I wanted to have a quick update before starting to write my own script over the winter break.

Tutorial #1 – Basic Elements of a Film Script for BEGINNERS! (How To Format, Read and Write a Screenplay!)

This tutorial by Makayla Lysiak deals mostly with the beginners rules and standards for scriptwriting. That is why I decided to watch it first. Makayla is a professional actress and gives advice to people who are new and aspiring in the film industry. I have already watched a handful of videos by her and am a big fan of how she structures them and gives information really well.

In her video she talks about how to build your script in four (or five) steps:

  1. Slug Line (where, when)
  2. Action Line (what, who)
  3. Dialogs
  4. Parentheticals
  5. (Cuts)

Slug line

A slug line consists of: INT./EXT. – Setting – Time. INT. or EXT. describes the nature of where our scene takes place (either interior or exterior). Setting tells the reader and actors where we are. Does the scene play in a coffee house or in space? The time is not the exact numbers on the clock but rather day or night or anything in between. An example for a slug line could be:

EXT. Beach – Towel Bar – Day

Slug lines can be very practically written, be a more artsy approach or anything in between. Depending on your film and writing style you will soon find what fits you best.

Action Line

The action line tells us what is happening and who is involved. It can also already hold important details about the character or scene which will need to be included in the movie. For emphasizing their importance we can write them in CAPS. Character names who appear for the first time in a script will also be written in CAPS.

Dialogs

A dialog starts with the character name in their own line and with information about where the dialog comes from and how the character is talking (remembering, exciting, etc.). The origin of the voice can be described in four different ways:

  1. No additional description normally means the character is visible and audible for the audience
  2. V.O. = Voice Over and means the voice is an overlay over what we see in the frame
  3. O.S. = Off Screen and means the character is not in the same space as the other person they’re interacting with
  4. O.C. = Off camera and means the character is in the same room as the other person they’re interacting with but not visible in the frame. The camera could easily pan to this person

Parentheticals

These include more specific information for your character or the reader. One special way is (re: …) which means the character is referring to something. This is especially important for the actors. They will then know if they are reacting to the coffee which is hot or the person they’re talking to. There is a huge difference between

Lukas
I bought a new bike

Hannah (re: coffee cup)
Wow, that’s hot!

and

Lukas
I bought a new bike

Hannah
Wow, that’s hot!

Transitions / Cuts

On the bottom left of a finished scene there is the possibility to describe what type of transition we want for the current and following scene. There are a ton of different transitions which is why the video did not provide any further information on them. I think it’s just important to know they exist and read more about them when you actually want to use them.

Tutorial #2 – 3 Rules Beginning Screenwriters Need To Know – Dr. Ken Atchity

The second video I watched was about 3 rules beginning screenwriters need to know. Dr. Ken Atchity is a producer and author and he made this video for Film Courage’s YouTube channel.

#1 Everything has to be connected to everything else

.According to Atchity this is the biggest difference between a screenplay and a novel. Everything you say in a screenplay needs to have a reason why it’s said. This makes it much more challenging.

#2 Dramatic order over chronological order, logical order and phycological order

This was an interesting point and can be summarized like this: If the audience is hooked, we don’t care where we go after the hook. Everything that follows will make sense and feel justified.

#3 The audience is the main character in the story

Know what the audience is waiting for, then you will be a good director and screenwriter. Albert Hitchcock makes his characters stand and halt for a second for the audience to catch up with the horror story. After that, people get exactly what they paid for: getting scared. Or as Dr. Ken Atchity would put it: Grab your audience by the throat and never let go of it!


Links

The first tutorial

The second tutorial/video

Another really great video about life on set by Makayla

IMPULS #6 – Team Deakins Podcast with Steve Nicolaides (Producer)

For this impuls, I was listening to another episode of the Team Deakins Podcast, a collection of casual conversations between Roger and James Deakins with people from the industry. In this specific one, Steve Nicolaides, a producer (e.g. When Harry met Sally) talks about how he balances budget and what he thinks are the most important qualities of producers.

Nicolaides accidentally became a producer early in his life when his father dragged him to the Filmways Studios where he worked to get some experience at just 11 years. After climbing the ladder in L.A. he became a production manager.

The talk was very interesting and I could name a lot of different parts of this over one hour long conversation. However, there was one part in particular that stood out to me. When asked what the most important qualities are for people who want to be production managers or producers Steve answered that you 1) have to be able to work long hours and 2) have to always find the joy in life. Especially the second part stuck my and I was thinking: What does the joy in life have to do with producing? Well, Nicolaides went on to say that producers and production managers have the ability to lead this super important team where during a production everyone will have at least one bad day. If you have the power to bring the good spirits back, the work will be better and more productive.

The second interesting point for me was the budget part. Steve described how he is always the one stamping and reviewing the budgets for films. He also talked about the steps to budgeting in this field. According to Nicolaides, you have to first do a rough production schedule before you can then estimate a budget which will be approved (or not) by the production company. Meanwhile, they search for a director with whom the budget is talked about again before starting the actual work. What was so striking for me is the fact that a lot of work goes into a budget even before the film has a director. I mean, I knew that the budget was a big deal but it never occured to me that it might be more important than who will be doing the movie in most cases.

The conversation between Steve Nicolaides and the Deakins Team went on and touched on other topics such as a producer’s role in post-production. As they talked about it very thoroughly, adding all the details would make this blog post explode. Therefore, and because VFX and Animation will not be part of my Master’s project, I will have to skip this part. However, if anyone is interested in that topic, feel free to visit the podcast website as mentioned below.


Links

Podcast Episode Link

Steve Nicolaides’ IMDb Site

Roger Deakins’s IMDb Site

Werkstück Doku #2 – Kick-Off Meeting

Heute war der große Tag, ich hatte das erste Meeting mit meinen Partner*innen für den Masterarbeitsfilm. Wir haben über sehr viele spannende Dinge gesprochen und um meine Werkstücksdokumentation chronologisch und vollständig zu halten, kommt dazu auch ein gesammelter Post.

Meeting

Wir haben klassischerweise damit begonnen, die Richtung und die Zielgruppe des Films durchzusprechen. Nach einigem Hin und Her sind wir uns dann einig geworden, dass der generelle Stil sich doch im Bereich des Dokumentarfilms ansiedeln wird. Es wird um Mario gehen, einen Bergführer aus dem Pongau, der nicht nur in seinem Beruf, sondern auch in seiner Freizeit sehr umweltbewusst lebt und für die Thematik des Klimawandels in den Bergen brennt. Er wird im Zeitraum von 8-13 Minuten die klimatischen Veränderungen in den österreichischen Alpenlandschaften aufzeigen, während er seiner größten Leidenschaft, dem Bergsport, nachgeht.

Es wird visuell planweise Skitourengehen, Eisklettern, Wandern (inklusive Gletscher) und Alpinklettern zu sehen sein. Für mich bedeutete das sofort: Wir brauchen zwei, wenn nicht drei, Jahreszeiten für den Dreh. Die ersten Drehtermine für den Winter (also Eisklettern und Skitourengehen) haben wir uns deshalb gleich ausgemacht: 14./15./16.01.2024! Mir ist bewusst, dass das schon in einem Monat ist. Genau deshalb muss auch sofort die Drehplanung beginnen. Bis 08.01. sollen Skript, Shotlist und Storyboard (wenn nicht schon gecuttetes Storyboard) fertig sein für Feedback. Danach habe ich noch Zeit, die Locations, Bedingungen am Berg und das Wetter mit Mario gemeinsam auszuchecken.#

Ein Punkt, der leider nach diesem Meeting immer noch offen ist sind potentielle Sponsoren für den Film. In der Förderung für das spezifische Projekt um das es geht (Protect Our Winters Guide Alliance) ist zwar ein Startbudget für den Film mit eingeplant, allerdings deckt dieses nur meine Reisekosten ab. Um den Film jedoch mit meiner vollen Zeit und uneingeschränkt produzieren zu können, sind mehr Ressourcen nie falsch. Hier könnten Scarpa und Arc’teryx infrage kommen, allerdings besteht da noch mehr Abklärungsbedarf.

Nachdem wir das Meeting guter Dinge abgeschlossen hatten, habe ich mich gleich an ein Moodboard gesetzt. Hier ein paar Ausschnitte:

Hier sind außerdem ein paar Videoinspirationen:

Was jetzt?

Meine nächsten Schritte sind jetzt: Planen, planen, planen! Wie gesagt muss bis nach Weihnachten soweit alles für die Drehs bereit haben. Konkreter bedeutet das:

  1. Skript und Story
  2. Storyboard
  3. Budget
  4. Equipment
  5. Locationscouting
  6. Drehplan

In dem Sinne: An die Arbeit!

Blog #6 – Meeting Daniel Bauer

I think the meeting with Daniel Bauer was very useful. I got a lot of new insights and a lot of new questions where I could find answers for while writing my master thesis.

I explained Daniel what I want to do for my thesis and discussed my exposé the most important feedback I received was that now I have the chance to get a bit of distance of what I’m already doing. I could do something very extraordinary if I want to.

These were the following questions that we came up with:

  • How does a campaign communicate? How is it different from traditional marketing communication?
  • Why is a social media campaign valuable for brands?
  • What is the difference between a €100 budget or a €10.000 budget
  • Would it be better for a company to invest into one movie or a whole campaign?
  • What is a campaign? What does it include?
  • Why does content matter?

The way to continue my research:

Try to get already answers how does social media campaigns communicate. Figure out what kind of content is important. And when I do research on best practice add some criteria what makes a campaign good or bad.
some examples of criteria:

  • Where was it shown
  • Did the target group grown
  • Which communications

Then when I finally will do all the research, I also have to plan the actual campaign and produce it to check if my findings were correct.

Overall, Daniel was very interested in this topic because also at ShotShotShot they struggle to find answers to these questions. So, he would be interested to read the thesis when it is finished

Video is already there since ages and also social media but still there is not a clear answer why is it working and why is it valuable. Or at least a lot of companies don’t see the value of it. And they will just ask someone at the marketing team to just do the social media of the company on the side. And I want to proof it is valuable and it’s not a just a side job.

Feedback Session mit Daniel Bauer (ShotShotShot)

Gestern hatte ich die Freude, vom Inhaber und Creative Director von ShotShotShot Daniel Bauer Feedback zu meiner Masterarbeit und meinem Projekt zu bekommen. Hier ein paar Details.

Begonnen hat unsere Unterhaltung damit, dass ich kurz mein Thema vorgestellt habe. Da ist uns gleich aufgefallen, dass sich durch meine Formulierung sehr viele kleine Aspekte der medientheoretischen bzw. der medienphilsophischen Welt abdecken lassen. Hier muss ich also möglicherweise noch ein bisschen eingrenzen. Das kann allerdings während dem Schreiben auch passieren, je nachdem welche Quellen und welche Richtung sich als zielführend erweisen.

Apropos zielführend: Auch über meine persönlichen Ziele für meine Masterarbeit und danach haben Daniel und ich gesprochen. Vor allem ein Tipp seinerseits war für mich besonders spannend. Daniel ist nämlich der Meinung, dass eine Arbeit im Kreativbereich sehr wohl auch persönliche Standpunkte vertreten darf. Erst dann würde die Arbeit laut ihm erst richtig spannend werden. Für mich bedeutet das, dass ich mir gerne noch mehr Gedanken über meine eigenen Zugänge machen kann. Was denke ich über das Thema? Wie ist meine Herangehensweise? Was würde ich gefühlsmäßig wie machen? Oft machen diese Fragen das Arbeiten am schriftlichen Teil leichter, weil man immer genau weiß, wo man mit dem fertigen Produkt hin möchte.

Ein weiterer, spannender Gedanke waren die Experteninterviews, auf denen sich ein Teil meiner Arbeit stützen wird. Hier hatte Daniel sehr viele Kontakte aus der Industrie für mich, die zu meinem Thema Bericht erstatten können. Allen voran Robert Schauer, den ich bis jetzt nur als Kurator und Veranstalter des Mountainfilm Festivals in Graz kannte. Er war einer der ersten, wenn nicht der erste, der einen Film am Mount Everest gedreht hat (damals noch mit 35mm Film). Die Idee hier ist, dass ich mein Thema auch aus der extremen Seite des Filmemachens beleuchten werde. Immerhin ist der moderne Bergfilm nicht selten in extremen Höhen angesiedelt und mit Schauer habe ich hier den perfekten Gesprächspartner.

Im weiteren Verlauf haben wir über mein Masterarbeitsprojekt, einen Film, gesprochen. Als Erfahrener im Film- und Animationsbereich hatte Daniel auch hier wertvolle Tipps für mich. Vor allem die Frage der Authentizität hat uns hier beschäftigt. Wie viel Drehbuch braucht mein Projekt? Wie sehr will ich mich vor Ort auf Dinge einlassen? Diese und einige andere Denkanstöße werden mich sicherlich über Weihnachten während meiner Vorproduktion begleiten.

Alles in allem war das Gespräch mit Daniel sehr motivierend und hat meine Arbeit und den damit verbundenen Aufwand wieder in Relation zu meinen Leidenschaften des Bergfilmemachens gesetzt. Ich bin inspiriert und mit voller Tatendrang nach den 45 Minuten aus dem Raum 116 gegangen und hoffe, dass ich diese Gefühle weiterhin so mitnehmen kann.

Also dann: Lasset die Drehplanung beginnen!

Blog Post 5 – Brain Dump

In an attempt to freeze my current state of mind in time, as not to lose my current motivations and fresh thoughts, I will summarise two breakthroughs or epiphanies I have had in the last few weeks regarding my master’s thesis.

The practical part

As part of one of the subjects in the third semester, Story & Visualisation, we have to come up with a movie concept and trailer with the help of AI tools, more or less exactly what I want to do for my master’s thesis. During the first phases of the process, I quickly noticed how much I disliked the workflow – using ChatGPT for the idea, storyboard and shotlist, and especially prompting and using Midjourney. Obviously, I can’t go writing a master’s thesis for 700 hours if I hate the entire process.

It wasn’t until I switched from a photorealistic style to that of an 80s anime movie, inspired by Akira (1988) that motivation struck me. And it struck me hard, leading me to work late into the night during my free time, perfecting the perfect prompt, getting filled with excitement when they turned out nice, and eagerly putting it all together in After Effects and starting to come up with a soundtrack and voiceover.

I want to preserve the importance of this moment in this blog post, so in case in the future I get frustrated or confused about what I’m doing again, I can look back at this and maybe get a better feeling for why it is I want to do all this. And that’s to be able to create the things I’m inspired by, which as it turns out, does not include as many cinematic masterpieces as I thought. During my free time, the shows I watch, the movies I enjoy, and hell, even the tattoos on my body are all anime or animation based, so I don’t know why it took so long to come to this conclusion, but I’m glad I did.

The AI also works much better for the hand-painted backgrounds I love so much from 80s and 90s anime, the parallax effects is also easy and quickly looks just like the real deal, with a fraction of the time needed to pull it off (not to mention the fact that I can’t paint at all). The biggest challenge at the moment is definitely the animation aspect of it all, so I will focus my future practical research on this.

The theoretical part

During my talk with Daniel Bauer, we also talked a lot about the practical aspect of my paper, but I did not want to spend too much time on that, given that I had just made a breakthrough about it the week prior or so. Instead, I wanted to gain some input about where I could take the theoretical part of my paper, since that was still giving me headaches.

Daniel and I talked about the more obvious AI topics such as the legal situation and the ethics of it all and quickly agreed that those are either useless to write about, boring, or both. Daniel recommended I focus egotistically on what I actually find interesting and ignore some of the more obvious aspects, since those will get covered by someone else anyway.

We ended up talking about paradigm shifts in culture and, more specifically, work culture; From how people feared that ‘painting was dead’ (Paul Delaroche upon seeing the first Daguerreotype in 1840) when the photograph was invented, or how the art community feared Photoshop when it was introduced in the late 80s to name just two examples. Both of which didn’t kill any art form or deleted jobs from existence, but rather caused a massive shift in culture and the industry.

That is what I want to focus on; an analysis of paradigm shifts caused by technologies in the past, focussing on the creative industry, and comparing them to the current developments of AI, speculating on how this will affect the creative industry.

Conclusion

These two breakthroughs felt like I was finally able to crack my back that was bothering me for a while, relaxing me at the end of a stressful day. I feel like these new approaches have enabled me to actually look forward to my master’s thesis with excitement, rather than dread. Even while writing this blog post that was initially only meant as a way to preserve my current state of mind, I found out some details about how I will approach the paper, like focussing on the creative industry’s paradigm shifts and wanting to focus on work culture. All in all, I’m more excited than ever to get started on the project. But first, let’s finish this exhibition.