by Elena Waschl
Abstrakt – Design als Kunst: Staffel 1, Folge 1, Christoph Niemann | Illustrator

Wer ist eigentlich Christoph Niemann?
Er ist ein renommierter Illustrator, Grafikdesigner und Autor. Seine Arbeiten zeichnen sich durch ihre Kreativität, Einfallsreichtum und oft humorvolle Perspektive aus. Einige Schwerpunkte seiner Arbeit sind:

Editorial Illustration: Niemann hat für viele führende Magazine und Zeitungen Illustrationen erstellt, darunter The New Yorker, The New York Times, National Geographic und Time.

Bücher: Niemann hat mehrere Bücher veröffentlicht, darunter auch Kinderbücher. Sein Buch “Abstract City” präsentiert eine Sammlung seiner Arbeiten und gewährt Einblicke in seine kreative Denkweise.

Er hat innovative Wege gefunden, digitale Technologien in seine Kunst zu integrieren. Eine seiner berühmten Arbeiten ist die App “Petting Zoo”, die eine interaktive Erfahrung für Kinder bietet.

Live-Illustration: Christoph Niemann ist auch bekannt für seine Live-Illustrationen bei Veranstaltungen und Konferenzen. Dabei schafft er vor einem Publikum künstlerische Werke, oft in Echtzeit.

Abstrakte Kunst: Seine Arbeiten sind oft abstrakt und zeichnen sich durch einfache Formen und klare Linien aus. Er verbindet oft visuelle Elemente mit intelligenten Konzepten und Erzählungen.

Christoph Niemann kombiniert in seiner Arbeit verschiedene Medien und Plattformen, um Kunst auf innovative Weise zu präsentieren. Sein einzigartiger Stil und seine kreative Herangehensweise haben ihm internationale Anerkennung verschafft.

In der Netflix Serie Abstrakt sammelte ich folgende Notizen:
Arbeiten alleine: meist zwischen 9.00 und 18.00 Uhr, bezeichnet sich selbst als Freak und großteil der Arbeit „auf Papier starren“ und dann hoffen dass etwas verrücktes passiert.
Abstraktion ist der wichtigste Teil der Kunst! Verwerfe!
Alles weglässt was für die Übermittlung der Botschaft nicht notwendig ist
Die Übermittlung einer idee benötigt eine ganz bestimmte Informationsmenge = jedes Konzept benötigtz gewisse Informationsmenge („goldene Mitte“ der Idee)
The New Yorker Cover – 22Stk.
Prozess: Cover Gestalten für virtual reality
Lego fazniert hin > Abstraktion
Stil – kultureller gesellschaftliche Erfahrung besser als neues erfinden die erst von der Menschheit verstandenn werden muss
Anfänglich viele Aufträge aus Verzweiflung
Man muss nicht stundenlang auf Inspiration warten manchmal muss man einfach sich hinsetzen, zeichnen, entscheidungen treffen und optimistisch zu sein!
Man sollte loslassen wenn man wachsen will
Einstiegsdroge ist das erleben von Kunst, Kunst erklärt einem die Welt wenn man hinhört
Alles was ich erarbeite ich Informationen meist entstehen Bilder die sich mit den Erfahrungen der Menschen spielen – ihre meinen erfahrungen treffen sich
Größte gefahr der routine dass irgwann alles gleich aussieht!
Publikum Und ich verändern uns ständig!
Wenn man dinge freien lauf lässt ergeben sich neue dinge
Die entdeckung der Langsamkeit – Buch – neue wahrnehmung von Bewegung, man geht von dingen aus die man kennt und zerlegt sie in die bestandteile und ordnet sie neu an
Reiz von geschichten liegt ja darin zu entdecken was als nächstes passiert
Kontrolle x Spontanität
Ein Blatt Papier vor sich haben und furchtlos etwas zu machen
Ich habe mir bis jetzt noch nie bei einem Auftrag getraut etwas neues zu machen ich muss frei im Kopf sein
Glücklicher Moment wird zur Messlatte! Damit quält man sich nur! Seit er dies verstand merkte er >> man muss üben um besser zu sein
Pop Musik = alte Geschichte auf neue Weise zu erzählen, ZB Liebeslieder, Ziel ist bis jetzt hat es noch nie jemand so auf den Punkt gebrachte, gebräuchlich Szenen die neues Erzählen
Idealfall feiert Design die Welt, Kunstwerk dank einer Zeichnung emotionen spüre dann erfolgreiches Werk
Sein Ziel visuelle Sprache vollständig zu beherrschen, welt bildhaft zum Ausdruck zum bringen, bin somit nie fertig

Mein Impuls

Vor allem muss ich sagen fand ich die Aussage, dass man nicht immer auf Inspiration warten kann und einfach mal loslegen muss, sehr toll. Der Mut einfach zu starten ist motivierend und beruhigend zugleich. So sieht man das auch erfolgreiche Leute auch ganz gleich ticken wie wir.

Außerdem fand ich die Herangehensweise aus etwas alltäglichen etwas unbekanntes zu erschaffen oder zumindest dies neu zu interpretieren auch sehr interessant und inspirierend.

Links:
https://www.christophniemann.com
https://www.instagram.com/abstractsunday/?hl=de
https://www.youtube.com/watch?v=q_k8fVNzbGU

Dieses Jahr habe ich das Grafikmagazin abonniert (ehemaliges Novum) um mehr über die Branche zu erfahren, Inspiration zu bekommen und vielleicht gleich einiges an Input für meine Masterarbeit zu bekommen. Eine Ausgabe hat ca. immer 100 Seiten, da eine generelle Zusammenfassung schwierig ist werde ich in den nächsten Impulsen eine Zusammenfassung mit den für mich interessantesten Beiträgen, meiner 4 Ausgaben geben.

In der 3. Ausgabe des Jahres war das Überthema “Health & Fitness” und es wurden viele interessante Design Projekte zu Health und Fitness Themen gezeigt. Jedoch beinhaltet jede Ausgabe immer folgende Inhalte: News, Fotografie, Design&Research, Produktion & Publishing, einen Fokus Artikel, das Überthema sowie einen Showroom.

Goodbye Boring, jetzt kommt Hamster

In diesem spannendem Artikel ging es um die Schrift Hamster und ihren sonderlichen Namen. Gründer dieser Font ist der sehr renommierte Joe Stitzlein, er hat bereits eine Vielzahl an erfolgreichen Postum Fonts entworfen, Marken wie FedEx oder Pixar geprägt und gestaltete unter anderem das Logo für Netflix. Auch die Bildwelt von Apple hat er zusammen mit Steve Jobs definiert.

Die Schrift umfasst auch verschiedene Farbkombinationen und Ornamente und soll vor allem Spaß machen und ist daher einer der neuesten Retail Schriften von Joe seit langem. Der Name war laut ihm ein glücklicher Zufall, doch erinnere das Aussehen der Fonts an die Pausbacken von Hamstern und die Röhrenstruktur an ihre Spielröhren. Laut Joe sieht er die Hamster im Branding-Einsatz von Musikmarken, Restaurants oder Schulen.

Design&Research: Oatly

In diesem Beitrag ging es um wertvolle Kernkompetenzen von Kommunikationsdesign, unter anderem am Beispiel von Oatly, welches sehr provokant und disruptiv wirbt. Sie besitzen z.b. keine eigene Marketing Abteilung sondern lassen alle Marketing-Entscheidungen vom Kreativ Team treffen.

Oatly schwimmt mit seinen teils provokanten Kampagnen erfolgreich gegen den Strom und sie sorgen gemeinsam dafür Oatly eine Stimme zu geben die mal witzig, mal ernst und gelegentlich auch polarisiert. Das dies so gut funktioniert liegt jedoch auch an der Zielgruppe. Mit ihren Werbungen schafften sie es enorm an Bekanntheit zu gewinnen. Oatly widersetzt sich Marketing Konventionen und hat unter anderem schlechte Produktbewertungen auf die Verpackung gedruckt und einen no-budget-werbeclip beim Superbowl gezeigt, in dem der CEO an einem Kinderklavier eine Ode an die Hafermilch spielt. Oatly zeigt so seit Jahren wie eine kreative und ehrliche Kommunikationstrategie beudeutend sein kann und wie sie so eine starke Marke aufbauen konnten.

Übrigens: in der Überschrift dieses Beitrags wurde die Hamster Font verwendet 🙂

Jeder hat ein Recht auf gutes Design, Interview mit Angie Reisinger

Angie Reisinger gründete vor neun Jahren ihr gleichnamiges Designstudio und betreute anfänglich lokale Unternehmen und wuchs dann mit ihren Kunden zu einem großen Studio heran. Mittlerweile betreut sie und ihr Team viele kleine, mittelständische und auch große Unternehmen doch für sie ist nach wie vor wichtig: Jeder hat ein Recht auf gutes Design.

In dem Interview sprach sie darüber, dass sie mit ihren Arbeiten Design spürbar machen möchte. Heißt das man das Ergebnis wirklich verstehen und fühlen kann. Design löst emotionale Reaktionen bei Menschen aus und daher ist es laut Angie besonders wichtig die Bedürfnisse und Wünsche des Kunden richtig zu verstehen um gutes Design zu schaffen. Außerdem setzt sie nach wie vor auf eine Kombination aus analogem sowie digitalen Medien da viele Kunden ihre Marke auch einfach in den Händen halten wollen und da diese Kombination die Aufmerksamkeit der Marke fördert.

Buchrezension: “Einfach können – Gendern” von Johanna Usinger

Das Buch “Einfach können – Gendern” von Johanna Usinger fungiert als umfassendes Nachschlagewerk, das dazu dient, das richtige Gendern zu erleichtern. Die Autorin, eine erfahrene Pädagogin, Moderatorin und Trainerin mit Schwerpunkten in Kommunikation, Konfliktmanagement und Diversity, gibt in diesem Werk einen Überblick über die wichtigsten Grundlagen, bietet einen geschichtlichen Einblick in die Thematik und fasst die Wichtigkeit sowie die aktuellen Lager der gendergerechten Sprache zusammen.

Die Struktur des Buches ist durchdacht und in klare Kapitel unterteilt:

1. Gendernswerte Textstellen erkennen
2. Sprachliche Möglichkeiten
3. Geschickt Gendern
4. Wörterbuch

Die Autorin, als Gründerin und Autorin von geschicktgendern.de – dem Genderwörterbuch –, präsentiert sich als höchst qualifiziert, um diese Thematik zu behandeln.

In Bezug auf meine Forschungsarbeit, die sich von “Gendergerechter Sprache” auf “Generelles Inklusives Design” ausweitet, scheint dieses Buch möglicherweise weniger direkte Relevanz zu haben. Es präsentiert sich eher als Einsteiger-Guide und befasst sich generell mit der Thematik. Trotzdem könnte das Kapitel 3, “Geschickt Gendern”, für meine Arbeit von Interesse sein. Hier werden “kreative Tipps und Tricks” vorgestellt, um das Gendern intuitiver zu gestalten und Lösungen für Wörter oder Phrasen zu finden, die sich nicht leicht mit gendergerechter Sprache ausdrücken lassen.

Die kreative Herangehensweise, die in diesem Kapitel präsentiert wird, könnte sich als nützlich erweisen, insbesondere wenn es darum geht, ein eigenes System des Genderns im Rahmen meines praktischen Teils zu entwickeln. Es bietet möglicherweise Inspiration und Methoden, um die Herausforderungen bei der Umsetzung von inklusivem Design anzugehen.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass “Einfach können – Gendern” von Johanna Usinger eine Ressource ist, die vor allem für Einsteiger in das Thema gendergerechte Sprache interessant sein dürfte. Trotzdem könnte es durch bestimmte Kapitel einen Beitrag zu meiner Forschungsarbeit leisten, insbesondere im Hinblick auf kreative Ansätze beim Gendern.

Link zum Buch:
https://www.thalia.at/shop/home/artikeldetails/A1064670225

Spannende Podcast-Folgen zum Thema:

Das Spiel lädt die Spieler ein, Expeditionen zu verschiedenen Orten aufzubauen, und ich war angenehm überrascht von der Mischung aus Glück und Strategie, die es bietet. Jede Karte, die ich zu meinen Expeditionspfaden hinzufüge, erfordert sorgfältige Überlegung, und die Entscheidungen, die ich treffe, haben direkte Auswirkungen auf meinen Punktestand.

Die Wetteinsätze bringen eine zusätzliche Schicht Spannung in das Spiel. Es ist ein echter Nervenkitzel, zu entscheiden, ob ich auf eine Expedition setzen sollte, die noch nicht einmal begonnen hat. Der Bluff-Faktor sorgt für unvorhersehbare Wendungen, und ich habe schon so manches Spiel aufgrund geschickter Einsätze gewonnen oder verloren.

“Lost Cities” ist für mich die perfekte Mischung aus herausfordernder Strategie und kurzweiliger Unterhaltung. Es eignet sich sowohl für Spieler, die ihre taktischen Fähigkeiten schärfen möchten, als auch für Gelegenheitsspieler, die eine Herausforderung suchen.

Für diesen Blogpost habe ich mir das Buch „Design is storytelling“ von Ellen Lupton genauer angesehen und wichtige Konzepte davon notiert. Das Buch ist eine Art Zusammenfassung einiger wichtiger Konzepte rund ums Thema Storytelling. Ich habe mir dieses Buch ausgesucht, da ich auch ein Guide- oder Workbook zu einem Thema als Masterarbeit machen möchte. Vielleicht befasst sich mein Guidebook nicht direkt mit Storytelling, aber für die Konzeption meines Guides brauche ich auf jeden Fall theoretische Ansätze zum Thema Storytelling, weswegen das Buch ein guter Ansatz ist.

Das erste, das mir aufgefallen ist, ist der Anfang des Buchs – das Buch spielt mit Elementen, die man eher von Theaterstücken kennt, um das Thema Storytelling auch im Layout ersichtlich zu machen und quasi einen roten Faden in das Buch einzubauen. Die Kapiteln des Buchs sind dazu passend benannt, es gibt ein Overture, dann 3 Acts und ein Aftermath.

Das Buch ist meiner Meinung nach eine gute Mischung aus den persönlichen Erfahrungen der Autorin – die erfahrende Grafikdesignerin und Chair of Design an einer amerikanischen Uni ist – und Erklärungen von etablierten Konzepten.

Der Hauptteil des Buchs beginnt mit Erklärungen zu einigen klassischen Narrative-Prinzipien, wie beispielsweise dem Narrrative Arc von Gustav Freytag, dem Hero’s Journey und Kapiteln wie Storyboard, Rules of Three, etc. Es gibt gute Erklärungen zu den Konzepten sowie erläuternde Beispiele dazu.

Im letzten Kapitel findet man auch Storytelling Prompts, die als Arbeitsaufträge zum Üben oder Brainstorming für Projekte verwendet werden können, was wohl den „Workbook“-Aspekt des Buchs darstellen soll. Es gibt auch eine Storytelling-Checkliste.

Zusammengefasst bietet das Buch einige Kapitel und auch Ideen, die als theoretische Basis sowie als Inspiration für meine Arbeit dienen könnten.

ABBILDUNG 2.DOROTHEA LANGE. WHITE ANGEL BREADLINE, SAN FRANCISCO, 1932. GELATIN SILVER PRINT.

–       Personen, die in der Schlange für Brot anstehen (Mitten in der Depression waren 14 Millionen Menschen arbeitslos. In der Nähe von Langes Atelier in San Francisco befand sich eine von einer wohlhabenden Frau, die als “Weißer Engel” bekannt war, eingerichtete Brotlinie.) und der „Protagonist ist ein Bettler“

–       Aus eigenem Interesse geschossen und dann wurde sie von der Farm Security Administration beauftragt – hier ist der das berühmte Bild: „the Migrant Mother“ entstanden    

• Fotoserie: White Angle Breadline
  • Thema: Armut (zur Zeit der Great Depression)
  • Dorothea Lange ging gemeinsam mit ihrem Bruder Martin durch die Straßen des Mission Districts in San Francisco. Dort sah sie viele Menschen, die kein Zuhause hatten, hungrig waren und keine Arbeit hatten. Lange hatte Bedenken, dass ihre Fotos die Privatsphäre der Menschen verletzen könnten. Sie fürchtete, dass ihre große Kamera sie abschrecken, ihr Arbeitsprozess zu langsam sein und man ihr vorwerfen könnte, die Würde der Menschen zu verletzen. Doch erstaunlicherweise schien niemand ihre Anwesenheit zu bemerken, nicht einmal der Mann mit der Zinn-Tasse, der sich von den anderen in der White Angel Breadline abwandte. Er saß nach vorn gebeugt über das Geländer, sein Hut verbarg sein erschöpftes Gesicht, und er schien verloren. Obwohl Lange neu in der Straßenfotografie war, beherrschte sie die Kunst, den entscheidenden Moment einzufangen: “… Ich sah etwas, erfasste es und hatte es.” [1]

Quantitative Analyse

• Farben: Schwarz, Weiß, Grau – eher blass, natürlicher Schatten
  • Führende Linien: Pfade (Zaun), Linien (Zaun Hände)
  • Goldener schnitt: ja, wirkt spannend
  • Viel positiver Raum (Menschenmenge)
  • „Protagonist“ befindet sich in der Drittelregel
  • Wirkt spannend, weil er als einziger nicht mit der Masse mitgeht und ein wenig verloren hinstarrt (Isolation)
  • Der leere Becher und die (fast schon betende) Hände spiegeln die Depression wider
  • Gesicht nicht erkennbar
  • Schmutziger Hut, steht im Vergleich zu den sauberen Hütten

[1] https://www.kennedy-center.org/education/resources-for-educators/classroom-resources/media-and-interactives/media/media-arts/dorothea-lange-white-angel-breadline/